CANTATA CRIOLLA, für Tenor, Bariton, gemischten Chor und Orchester - Studienpartitur

Cantata Criolla, für Tenor, Bariton, gemischten Chor und Orchester (1954).

Das Stück ist in drei groß angelegte Sätze gegliedert. Der erste Satz, Lento e Cadencioso, schafft eine epische Stimmung mit Gesten, die zwischen dramatisch und atmosphärisch wechseln, bevor der Chor einsetzt, um die Szene und den Hintergrund zu schaffen, aus dem die Stimme des Teufels auftaucht, um seine Herausforderung auszusprechen. Der Chor bleibt im Allgemeinen in einer Note-gegen-Note-Textur, die den Text hervorhebt und die gemeinschaftliche, mündliche Tradition der Geschichte und der Coplero-Tradition unterstreicht. Es folgt "El Reto" (Die Herausforderung), die der Teufel selbstbewusst ausspricht und auf die Florentino in ernsteren Tönen antwortet, indem er das Land beschwört: "Savanna, Savanna, Land, das dich zum Schwitzen und Lieben bringt, wie ich mit allem, was ich habe, gesungen habe, um mit ihm zu singen". Das melodische Material für die beiden Figuren besteht aus zwei gregorianischen Gesängen: Ave maris stella für Florentino; Dies Irae für den Teufel.

Im zweiten Satz, Lento, Tenebroso, bauen schattenhafte Passagen für die tiefen Streicher und Holzbläser allmählich Spannung auf und stellen den aufziehenden Sturm draußen dar. Estévez bedient sich gelegentlich der Tonmalerei, um das Geschehen in der Szene darzustellen: Maracas (Capachos) begleiten Hinweise auf dieses Instrument, das in Florentinos Hütte erklingt; plötzliche Ausbrüche betonen die metaphorische Verbindung in der Zeile: "wandernde Chöre, Wind der schwarzen Wut". Sowohl die Szene als auch die Charaktere werden vom Chor ausgearbeitet, bis im letzten Satz der Wettstreit ("La Porfía" oder Das Duell) in der traditionellen Weise beginnt, in der jeder Coplero die letzte Zeile des Verses seines Gegners als Anfangszeile seines eigenen Verses übernimmt.

Der auffälligste Aspekt der Kantate ist die Art und Weise, wie Estévez alle musikalischen Elemente, vor allem aber Klangfarbe und Rhythmus, in einer Art Krise-Kreuz-Beziehung manipuliert, um den sich entwickelnden Schwung des Wettstreits zu suggerieren. Vor einem meist perkussiven Orchester sind die Stimmen in der Schwebe, aber in jeder Stimme stimmt der Rhythmus der Worte mit dem des Orchesters überein, überholt ihn oder schwebt über ihm, um den emotionalen Tenor von Annäherung, Parade, Zurückweichen und erneutem Angreifen widerzuspiegeln - eine Art texturelle Beschleunigung, die sich erst später im Tempo niederschlägt. Am Ende beansprucht jeder den Sieg für sich, aber Florentino überlebt seinen Feind, indem er heilige Verse rezitiert, die dann vom Chor übernommen werden. Die musikalische Textur ist das Gegenteil des Anfangs, da die einzelnen Stimmen in die kollektive Feier der heiligen Verse eintauchen. Ein Ende, das perfekt zu dem Land passt, das sowohl im wörtlichen als auch im übertragenen Sinne einen so fruchtbaren kreativen Boden für so viele Amerikaner darstellte.

Susan Key